Nacido el 8 de abril de 1944, ¡neopoblano! de origen, René ha enfrentado los embates de la vida con una férrea voluntad que posibilitó convertir a Matanzas en referente mundial del teatro de títeres con la participación de conjuntos y personalidades del arte escénico de animación de figuras y objetos.

Lo refrenda su ilimitada abnegación más ese amor hacia las esencias yumurinas que lo llevan a escribir y asumir piezas teatrales donde lo ancestral africano, hispano y puramente criollo se apodera de las tablas. Muchos son sus méritos y lauros: la presidencia primera de la UNIMA, en Cuba, la creación del Festival Internacional de Marionetas, su condición de Maestro de Juventudes y Héroe Nacional del Trabajo, así como sus premiadas puestas en escena.

Según confesiones del dramaturgo, actor y director, la creación de la agrupación yumurina, surgió dentro del programa cultural de la Revolución, con la guía de los Hermanos Camejo. Esa misma sala teatral, llamada Papalote, en Daóiz, muy cercana al barrio La Marina, es donde se realizan «La calle de los títeres» y los festivales «Narices Rojas», el del «Clown», entre otras propuestas y se han estrenado cientos de espectáculos concebidos en su mayoría para los pequeños.

René Fernández Santana se magnifica como patrimonio matancero. Es un ser excepcional en el que se combinan genio, amor y voluntad para dicha de la Atenas de Cuba. Feliz aniversario, maestro y que muchos más vengan en camino.

Maria Elena Bayón/ Radio 26 

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El aire en el estudio de TV Yumurí se vuelve denso. Las memorias huelen a salitre y madera vieja de escenario. Inicia un viaje en el tiempo. Vuelan las palabras porque en el teatro radica la artesanía del intérprete. Frente a ellas, Mercedes: la artesana mayor, la mujer que ha tallado su existencia desde el corazón de Matanzas.

Hablar de Mercedes Fernández Pardo es visualizar una generación que consolida el teatro cubano posterior a los años setenta, cuando las instituciones culturales recién fundadas definían un nuevo mapa escénico en el país. Su nombre se vincula a la actuación, a la formación, la gestión cultural y la defensa de la identidad teatral de la Atenas de Cuba.

“Mechi”, como muchos le conocen, nace un 22 de junio de 1958, bajo el signo de la perseverancia. Hija de Armando y de la inolvidable «Lala», Mercedes crece como el último brote de un árbol familiar robusto. Su origen es una metáfora de la Cuba trabajadora: un padre chofer y una madre cuyas manos eran agujas mágicas.

“¿Mis padres?… mi mamá era costurera; de alta costura. Cosía espectacularmente bien, le fascinaba diseñar vestuarios. Y mi papá era chofer repartidor de galletas y pan, aunque realizó muchos oficios durante su vida. Ambos quedaron huérfanos a muy temprana edad y se vieron obligados a trabajar”, rememora la artista. Mercedes era la menor de cuatro hermanos, con una diferencia de dieciséis años respecto al más cercano. Además de su padre, tuvo tres faros más, que guían sus primeros pasos inquietos.

“Soy la única de mis hermanos que me inclino hacia el mundo de la cultura y el arte profesionalmente. El hermano que yo sigo estudió Medicina y en los cinco años de la carrera fue el director de la comparsa de la Universidad de La Habana. Él disfrutaba muchísimo bailar. Después que se graduó, fue durante muchos años jefe del servicio de gastroenterología en la Habana, pero siempre se vinculó al arte. En sus tiempos libres trabajaba en el Teatro Martí con artistas famosos de su generación, y por mucho tiempo laboró en cabaret. Él disfrutaba mucho bailar.”

Esa raíz humilde de la familia de Mercedes no fue un obstáculo; fue una escuela ética. La disciplina del trabajo cotidiano, el respeto por el oficio y la dignidad obrera marcaron el carácter de quien años más tarde dirigiría procesos culturales complejos, sin perder la sencillez del barrio.

ISA: La Revolución de un Sueño

Los ojos de la mujer, que disfruta más de seis almanaques, brillan. Su rostro apacible se muestra eternamente joven, como aquellos años donde tejía una vida sobre las tablas, esa misma vida que aún late sobre sus calendarios. De esa sencillez brota la aristocracia del espíritu que la lleva, casi por un guiño del destino, a las puertas del Instituto Superior de Arte (ISA).

El ISA, fundado en 1976 sobre los terrenos de las antiguas escuelas de Cubanacán, representa una revolución pedagógica para las artes en Cuba. No era solo una escuela: era un laboratorio estético. Allí confluyeron profesores cubanos y soviéticos, métodos de Stanislavski y búsquedas latinoamericanas, rigor académico y efervescencia política.

Entrar al Instituto no era un plan calculado, sino una explosión de alegría juvenil. Mercedes y un grupo de jóvenes matanceros se presentaron a las pruebas para «divertirse». Sí, como quien se lanza a un río sin saber nadar, pero con la certeza de que el agua le pertenece. En breve, esa diversión se convierte en motivación orgánica; en vida.

“Cursábamos duodécimo grado en el Instituto Preuniversitario “26 de Julio”, en el municipio Jagüey Grande. De buenas a primeras, nos informan que un grupo de profesores del Instituto Superior de Arte, estaban seleccionando jóvenes que tuvieran condiciones y dotes artísticas. Mi grupo, que era un grupo complicado se propuso conquistar aquel sueño: «¡Vamos a divertirnos! Vamos a hacer las pruebas». Y como una diversión entramos y nos divertimos tanto, que lo hicimos tan orgánico, que nos aprobaron a casi todos. De ahí salió Nanci González del Pino, René Monney, Adrián Morales, Cristóbal González… bueno, varios de Matanzas.

Cuando llegamos el ISA había un grupo en grado 12, que estudiaba en la Escuela Nacional de Arte. Ellos también integraron aquella nómina. Estaba Francisco Rodríguez “Pancho”, Armando Tomey, Leopoldo Morales, Nelson González y muchos otros artistas que aún enaltecen la escena del teatro cubano”.

Cuando Mercedes recuerda aquellos años, no habla únicamente de formación técnica, habla de comunidad. Entre sus contemporáneos (compañeros de estudio y profesores) figuraban artistas que luego serían referentes del teatro y la televisión cubana, como Mario Balmaseda y Raúl Eguren como maestros; y compañeros de promoción, quienes consolidarían una generación sólida y diversa.

Allí se gesta una cofradía, la que Mercedes define como una familia eterna. Eran tiempos de cinemateca y teatro diario, pero también de rebeldía. Cuenta la matancera que cuando en tercer año se quedaron sin maestros, no esperaron el naufragio; se convirtieron en sus propios capitanes.

“Decían que nos iban a hacer repetir el tercer año, sin tener nosotros la culpa. Dijimos, qué va. Buscamos los planes de estudio. Sabíamos qué era lo que teníamos que exigir y formamos equipos. Cada cual montó su escena. Aquello fue histórico en el Instituto Superior de Arte.  En quinto año tampoco teníamos maestros ni para graduarnos. Pero hicimos lo mismo: buscamos los textos con los cuáles nos graduaríamos. Al final decidimos montar Aire frío de Virgilio Piñera, que en aquel momento estaba censurado.

A nosotros nos encantaba terminar de ensayar y de estudiar e irnos para los teatros. A cada rato salíamos para los ensayos con Flora y Albio Paz, que era el director de un grupo de teatro, pero también un gran amigo de nosotros.

Así se adentra en sus recuerdos la matancera, que aún se mantiene firme sobre las tablas. En aquellos años tras el suceso montaron sus escenas, se evaluaron entre sí y desafiaron al sistema con la insolencia de quienes saben que el arte no pide permiso. Fue en esa fragua donde Mercedes se consolida como una «guapita del teatro», una mujer que no teme al conflicto porque sabe que de la colisión nace la luz.

De La Habana a Matanzas:

A finales de los años setenta, cuando el país redefinía sus políticas culturales y las provincias consolidaban sus instituciones artísticas, aquel grupo de jóvenes egresados del Instituto Superior de Arte regresa a Matanzas. Su misión era hacer teatro lejos de la capital. Retornan con una maleta llena de sueños y proyectos.

Mercedes no vuelve sola. El regreso fue estratégico, casi militante. Había que sembrar en la provincia un teatro contemporáneo, dialogante, comprometido con su gente. Se trataba de construir una estética con acento propio, con olor a río, a mar, piedra y hierro de cada Puente. Matanzas los recibe como se esperan las quimeras: con dudas y expectación. Pero también con una tradición cultural que demandaba continuidad.

No fue una llegada individual; fue un pacto. Aquella decisión de realizar el servicio social en Matanzas, con el apoyo de figuras culturales de la provincia, consolida algo más que un grupo artístico: fortalece una ética de permanencia. Mientras otros jóvenes sueñan con escenarios capitalinos, ellos eligen el desafío provincial. La elección habla del carácter de Mercedes: liderazgo sin estridencias, convicción sin discurso grandilocuente.

El grupo se instala con precariedades materiales, pero con una abundancia espiritual innegable. Ensayos en espacios improvisados, debates interminables, discusiones estéticas se extienden hasta la madrugada. El teatro comienza a ser no solo profesión, sino destino compartido.

El Mirón: las calles como teatro

Mercedes entiende que volver es más difícil que partir. Regresar implica demostrar que la formación recibida, no es un lujo académico, sino una herramienta para transformar la realidad cultural local. Cuando sus pasos transitan nuevamente por la ciudad, Matanzas tiene una memoria teatral sólida. El majestuoso Teatro Sauto destaca como símbolo cultural del siglo XIX y parece recordarles que allí, el arte encuentra raíces. Sin embargo, el desafío era otro: llevar el teatro más allá del coliseo, a los barrios. Esa mirada sería, poco después, el germen de Teatro El Mirón Cubano.

El grupo además que un colectivo artístico; devenía un manifiesto. Inspirado en las tradiciones populares, en el teatro callejero latinoamericano y en experiencias como las de La Candelaria, convertimos la ciudad en escenario. El nombre viene precisamente de esa idea de observar nuestra realidad, de ser mirones de lo que pasa en la calle, en la vida cotidiana del cubano, y llevar eso a la escena. Fue una etapa de mucha experimentación, de salir de las salas convencionales de teatro y meternos en las comunidades, en los barrios.” Sí, claro hablamos de un teatro que no espera a que el público venga, sino que va a buscar al público.

«Bajo la dirección general de Nancy González del Pino Ortiz, Albio Paz consolida la estética del teatro callejero. El 10 de enero de 1984, con la apertura de la sala como sala Milanés en aquel entonces, el Conjunto Dramático de Matanzas cambia su nombre (se llamó así un buen tiempo hasta que el Ministerio de Cultura se dio cuenta que existían dos teatros con el mismo nombre. Nos informaron que tendríamos que cambiar el nombre por lo que decidimos dejarle el nombre del grupo.
«Un día Esteban Lazo nos pide que realicemos un espectáculo con la problemática de los centrales azucareros de Matanzas. Nosotros analizamos si podíamos enfrentar esa tarea. Éramos actores, habíamos incursionado en la dirección con éxito, pero no teníamos el conocimiento, ni la experiencia de investigación, ni dramatúrgica que necesitábamos para enfrentarlo. Me encargan la misión de buscar a la persona que reuniera todas esas cualidades y comenzamos la búsqueda. Visité teatro «Escambray». Ellos tenían algunas dificultades en ese momento y no podían ayudarnos. Entonces, fui a ver a Flora Lauten; ella había iniciado las clases con un nuevo grupo en el ISA y no podía dejarlo. Hasta que se me iluminó la mente y pensé en Albio. Él era la otra persona en que confiábamos por su experiencia en Escambray y otras agrupaciones. Paz, llega a Matanzas a «El Mirón Cubano» en septiembre de 1985. En ese escenario florece su obra.

El encuentro con Albio Paz define el rumbo a seguir. Albio trae consigo una concepción del teatro como herramienta de indagación social, influida por experiencias latinoamericanas. La escena debe salir al encuentro del pueblo. Así, el arribo a Matanzas no fue el punto final de una etapa estudiantil, sino el inicio de una estética que rompe con la frontalidad convencional. La misión era una: hacer respirar el teatro en plazas, en parques, en cada esquina. Actuar en parques y plazas implica desmontar jerarquías. El teatro deja de ser un ritual elitista y se convierte en acto comunitario. En esa dinámica, Mercedes no solo actúa: aprende a dialogar con la calle, con el pregón, con la interrupción como recurso dramatúrgico.

“Eso lo más gratificante que me ha pasado en la vida. El público de la comunidad es el más honesto; si les gusta, se quedan y participan, y si no les gusta, simplemente se van. Aprendimos a manejar los ruidos de la calle, los pregones, los niños corriendo… todo eso pasaba a formar parte de la obra. El Mirón se convirtió en un referente del teatro callejero en Cuba porque no solo hacíamos teatro, sino que creábamos un diálogo con la gente.

Matanzas no fue solo escenario: fue personaje. Los barrios, trabajadores, los ancianos sentados en los portales, los niños curiosos frente a los ensayos callejeros… todos eran parte de la dramaturgia cotidiana del grupo. Para Mercedes, el regreso significa reconciliar infancia y vocación. Actuar frente a vecinos, que la habían visto crecer, era un desafío distinto.

Guardiana de la llama: gestión y memoria

Durante más de 25 años al frente del Consejo Provincial de las Artes Escénicas, Mercedes asume otra forma de protagonismo. La creación de la Casa de la Memoria Escénica y la consolidación de infraestructuras teatrales en Matanzas le ocupa tiempo. Su gestión administrativa responde a una visión estratégica: preservar la memoria y garantizar el relevo. Aunque la responsabilidad la aleja un poco de las tablas, su rol se gesta y enaltece talento matancero.

“En los años 90 se constituyen los Consejos y Centros Provinciales de las Artes Escénicas y fue otro motivo para romper montañas. Para poder desarrollarnos, no solamente El Mirón, las artes escénicas de Matanzas, teníamos que crear una infraestructura teatral que permitiera ese desarrollo. Entre los objetivos estaban crear centros como la Casa de la Memoria Escénica, y así se hizo.

“Fue difícil, no te voy a mentir. A veces me sentaba en una reunión de presupuesto y quería estar en los ensayos, pero entendí que desde esa posición podía ayudar a los artistas. Mi prioridad era la defensa de la calidad artística y proteger a los grupos, que no les faltara el apoyo institucional. Matanzas tiene una tradición teatral inmensa y debía asegurar que esa llama no se apagara” refiere con pasión Mercedes Fernández.

El amor sobre las tablas

En cada presentación teatral, susurra río San Juan entre las tablas del teatro, mientras Mercedes Fernández Pardo y Francisco Rodríguez (Pancho) se encuentran como destellos. En las plazas de Matanzas, donde los adoquines guardan aún el paso de los sueños, ambos descubren la magia del teatro callejero.

Él, con su risa franca y su voz que brota de las olas; ella, con una mirada que aún, a sus años, conserva la intensidad de la juventud. Juntos, construyen un amor entre bastidores, en cada escena compartida, en cada aplauso. Él se va con las estrellas, ella camina aún entre las luces del teatro, llevando su nombre como un faro.

“Nos conocimos en el instituto preuniversitario José Luis Dubrock, pero no teníamos esa relación tan cercana. Él se fue para La Habana a estudiar en la ENA y nos encontramos en el ISA. Nos hicimos novios casualmente el Día de la Cultura Cubana, el 20 de octubre de 1976 en La Habana. Nos casamos el 2 de julio del 1977 y nuestro amor durará para toda la vida.

De ese amor que florece entre las tablas y las luces del teatro, nacen Rocío y Erick. Rocío, con la pasión ardiente de su arte, encuentra en la dirección teatral su vocación, guiando a otros con la misma fuerza que heredó de su madre; Erick, con la gracia de su cuerpo en movimiento, construye su propio lenguaje en la danza. En cada aplauso, en cada escenario, resuenan sus nombres como un eco vivo de aquel amor infinito.

“Nosotros teníamos la suerte de vivir con mi mamá y nos ayudaba con los niños. Yo tenía la vida más complicada que Pancho, por mis responsabilidades. Mi vida entre El Mirón y dirigir Artes Escénicas fue una época de mucho hacer, de mucha construcción de todo, fueron unos años duros. Nosotros vivíamos para el teatro, vivimos para el teatro, seguimos viviendo para el teatro. Esa es la razón de ser de Mercedes y de Pancho. Lo hacíamos con mucho amor y lo disfrutamos muchísimo. Hoy la ausencia física de Francisco me golpea, asiente en medio del dolor Mercedes.

Cuando le preguntan de Cuba responde sin estridencias “Es mi raíz, es mi país, es mi todo. No me veo en otro lugar que no sea aquí, trabajando. Matanzas es la ciudad que me vio nacer, la ciudad que amo, la ciudad de los ríos y los puentes, pero sobre todo la ciudad del teatro.

Así habla la cubana, la matancera que disfruta la comida criolla pero especialmente un buen plato de arroz con pollo como lo hacía su mamá Lala. Mientras descansa en casa suena la música cubana, la trova, música clásica y el jazz. Su inspiración llega hasta el Valle del Yumurí, allí encuentra la paz que necesita para crear, para hacer teatro.

“El teatro es mi vida. Es la manera que encontré de comunicarme con el mundo, de expresar mis sentimientos, mis miedos y mis alegrías. Sin el teatro, no sería quien soy hoy, asevera”

Cuando Mercedes afirma que “El teatro es la vida”, no se trata de una frase hecha. Es la síntesis de una existencia donde la escena fue familia, conflicto, gestión, maternidad y patria. Matanzas, encuentra en Mercedes Fernández Pardo una guardiana. Su trayectoria se inscribe en la historia viva del teatro cubano contemporáneo. Y si el teatro es la artesanía del intérprete, entonces Mercedes no solo ha sido artesana: ha sido también arquitecta de una tradición, de la cultura teatral cubana. Ante cada paso, a sus pies, la ciudad se vuelve escena.

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La anfitriona no estaba como reina sentada, ella cocinó lo que les brindaba a sus invitados, ofrecía, pasaba bandejas, siempre atenta porque todos estuviesen satisfechos.

No sabemos cómo el balcón de su terraza soportó el peso de tanto talento del Teatro, la Televisión y el Cine reunido allí. Esperó a que su nieto Bruno saliera de la escuela para picar el cake y cantar felicidades. Pasado este momento, aquel encuentro se convirtió en un taller referido al mundo de la actuación, la dirección y el guion.

Anécdotas alegres y tristes, canciones, poemas, interpretados por profesionales, en fin, un espectáculo de esos cuyo guion lo escribe el destino que también colaboró con desear un cumpleaños feliz.

Allí, por supuesto, estaba su dilecta amiga, la reconocida actriz Diana Rosa Suárez, quien solo dijo: Paula es una de las personas que más quiero y admiro. Agradezco al Universo haberla puesto en mi camino gracias a nuestro trabajo actoral, estoy feliz de poder celebrar el 90 cumpleaños de esta mujer que tantos maravillosos momentos nos ha hecho pasar en el teatro, el cine, y la televisión. Me siento privilegiada de ser una de sus mejores amigas, mejor digo: hermana.

“Para mi Paula significa amor lealtad, cariño, la paz, todas esas cosas lindas existen entre nosotras dos. Somos amigas hasta la muerte y más allá si Dios nos lo permite y si existe un más allá allí estaré al lado de Paula. Solo le digo: Gracias, muchísimas gracias”

Su otro inseparable, también insigne figura de la actuación cubana: Mario Aguirre, Premio Nacional del Humor, dijo: “hablar de Paula es algo que me resulta muy hermoso porque es hablar de alguien que está muy cerca de mi desde hace más de 50 años.

“Yo pertenecía al grupo Teatro Estudio que dirigía Raquel Revuelta y ella llegó, y a partir de su llegada creamos una amistad y empezamos a compartir. Yo tenía algo en mi contra: muy poco dinero y vivía en El Cotorro. Cuando venía para el teatro y tenía función de noche no podía regresar a mi casa y no podía comer por ahí, pues no me alcanzaba el dinero y ella de pronto un día se dio cuenta, vivía cerca del teatro y comenzó a llevarme a su casa y me daba de comer.

“Paula tampoco era adinerada, me brindaba cosas muy elementales con vergüenza a veces, y no se daba cuenta que eso era toda una fortuna para mí. Nunca olvidaré ese gesto

“Hasta hoy ella representa como actriz y como amiga un ejemplo, un símbolo y estoy feliz de estar participando en la celebración de sus 90 años”

Conversé con Paula, le dije: sé que te han hecho numerosas entrevistas debido a los éxitos que has tenido y lo mucho que has trabajado en los últimos tiempos. Creo que ya te lo han preguntado todo. Yo misma te entrevisté hace algunos años. ¿Crees tener algo nuevo que decir?

_ Verdaderamente es así, ya todo el mundo sabe que soy de Candelaria, la verdad es que cada vez me hacen las mismas preguntas, lo único que me falta por decir es que vine en guagua. Pero ya hablando más en serio te puedo hablar de las dos últimas novelas que hice: Vuelve a mirar y los Hijos de Pandora, que han tenido mucho éxito.

“He hecho recientemente pequeños papeles en el cine y en la TV. Con mis limitaciones, sigo trabajando que es la mejor manera de vivir.”

Me puse a buscar sus premios y condecoraciones y veo que no aparece ninguno de los premios nacionales que les son otorgados a los actores. Alguien comentó el tema y ella pidió: no me interesa que se hable de premios. El premio más importante ya lo tengo: el cariño y la admiración de mi pueblo. De qué me serviría un diploma colgado en la pared si los espectadores no supieran ni quien soy.

Paula Alí no habla de temas políticos, pero en cada fecha patriótica, una de las primeras banderas cubanas que se extiende en los balcones es la suya. No digo más. Considero que esta mujer es de esos cubanos inmortales que estarán siempre en la memoria de la cultura nacional. (ALH)

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Todas las artes precisan del pacto entre quienes las hacen y quienes las consumen; pero en el teatro es especialmente fuerte esa relación. No es solo la confluencia, en un mismo espacio, de actores y actrices con el público, sino también lo efímero de un suceso único: jamás se repite en idéntica forma, ni siquiera entre funciones de la misma obra.

Sea una propuesta apegada a las formas clásicas, o que asuma en su totalidad lo contemporáneo, haya una sala oscura o luz plena, se rompa o no la cuarta pared, el teatro es transformador por antonomasia, terapéutico, catártico.

Habiendo normalizado tanto la extensión y calidad del panorama escénico cubano, no suele asombrarnos la cantidad de agrupaciones teatrales que trabajan en la Isla, ni tampoco lo disímil y arriesgado de sus propuestas; muchas de las cuales despiertan admiración en el mundo.

Es ello fruto de una tradición nacional y también de la voluntad del Gobierno Revolucionario, que, a partir de 1959, puso a la cultura entre sus prioridades absolutas.

El teatro que se hace en Cuba –incluso hoy, ante la falta de fluido eléctrico y de muchos recursos– es diverso, atrevido, polémico; y se articula en un movimiento que busca soluciones incluso allí donde parecen imposibles.

Es usual, asimismo, encontrar puestas en escena desde las que se critica y cuestiona con hondura y belleza. Las búsquedas éticas y estéticas de los teatristas exigen del público una capacidad siempre renovada de sorpresa y pensamiento.

Pocos espectáculos transigen con el facilismo, la risa fácil, o el divertimento vacuo para llenar asientos; una ventaja cierta de que no sea el mercado quien rija la programación de las salas ni la sobrevivencia de los grupos; como resulta también fortaleza, el sistema de enseñanza artística que forma sin cesar nuevos talentos.

Hay que celebrar entonces el Día del Teatro Cubano, que alude a la interrelación entre ese arte y la Patria: el 22 de enero de 1869, en el teatro Villanueva, los Caricatos ofrecían una función. El crítico Rine Leal lo contó así en La selva oscura:

«La mayor parte de las opiniones coincide en que en la escena ix de Perro huevero… al gritar Matías, interpretado por José Sigarroa (otros señalan a Pepe Ebra): “No tiene vergüenza ni buena ni regular ni mala, el que no diga conmigo ¡Viva la tierra que produce la caña!”, el grito fue coreado por los espectadores, al que se unió nuevas vivas a Céspedes y Cuba libre, y hasta alguien completó el verso añadiendo de su cosecha ¡Y muera España! El entusiasmo fue enorme, y se afirma que una mujer (Antonia Somodevilla) tremoló una bandera cubana.

«Lo cierto es que en las afueras del Villanueva estaban congregados varios cientos de voluntarios que aprovecharon los gritos para disparar sobre el edificio de madera y cargar luego sobre el teatro».

El enemigo brutal / nos pone fuego a la casa / el sable la calle arrasa, / a la luna tropical, escribiría Martí años después sobre esa noche, de cuyas víctimas nunca se conoció el número exacto. No obstante, como apuntó Rine, la fiereza de los voluntarios, que se adueñaron de las calles y durante cuatro días hicieron pagar a La Habana su saldo a la revolución, «echó por tierra la política apaciguadora de Dulce, radicalizó a los timoratos y lanzó la capital de lleno a la lucha insurreccional».

A la luz de estos días, el teatro cubano sigue siendo cronista de realidades y de sentimientos. En sus palabras de apertura a la más reciente edición del Festival de Teatro de La Habana, el noviembre último, la actriz y directora Roxana Pineda, escribió:

«No hay treguas seguras en el mundo de hoy, ahí está Gaza y el genocidio repetido para asegurarnos que esta escalada va en serio (…) ¿Cómo entender las celebraciones y el compromiso con lo humano y lo divino cuando todo parece desfallecer? Si somos responsables (…) tenemos que sentir ese peso sobre nuestras espaldas. Nuestra condición de artistas reales nos obliga a mirar ese mundo nuestro y a poner esas dudas en nuestra obra. La indiferencia es un arma mortal de este tiempo. El teatro, nuestro oficio, es una marca incandescente para batallar contra la indiferencia y la hipocresía».

Ante los últimos acontecimientos internacionales, que involucran directamente al país, esas ideas adquieren fuerza mayor. Que el teatro sea resistencia y belleza, abrazo y ballesta, luz y ventana abierta –llamó la también investigadora– que el teatro, como en los orígenes, sea un rito de celebración a la vida.

Yeilén Delgado Calvo/ Granma

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Durante esta 21 edición del certamen la reconocida pieza teatral de Federico García Lorca tendrá sus presentaciones a cargo de la compañía Os Satyros, de Brasil, dirigida por Rodolfo García.

La adaptación, realizada por Ivam Cabral, propone una lectura audaz y polifónica, donde múltiples elencos dialogan entre sí con el texto original, enriqueciendo la narrativa con nuevas capas de significado.

Un clásico que estremece cada tabla de las salas donde se presenta, este arreglo de la compañía Os Satyros, del brasileño Cabral, posee una alta carga de emoción, una espectacular puesta en escena con humor, sátira, desdichas, música, amores y desencuentros.

El tono costumbrista de la historia como uno de los recursos dramáticos, las apariencias, el odio y la envidia surgido entre las hermanas (hijas de Bernarda), el poder; la muerte, el dinero y el rol de la mujer, elementos todos dentro de la temática, la presentan nuevamente como la obra notable que es en la cual Lorca describe la España de principios del siglo XX.

Se trató de una España caracterizada por una sociedad tradicional muy violenta en la que el papel desempeñado por la mujer era secundario.

El desnudo en el teatro es otro de los componentes de la adaptación de Os Satyros, un mecanismo que según describió en una ocasión el actor y director Mauricio García Lozano es un mecanismo el cual “nos aproxima a ese cuerpo expuesto”.

No olvidemos que el teatro es un espacio de revelación o de reflejo de humanidad […] Entonces, de pronto ver a un cuerpo desnudo lleva al espectador a sentirse también expuesto y desnudo, y creo que esto lo hace en cierto punto más poderoso, siempre y cuando este desnudo tenga que ver con la trama y no sea solamente una cuestión ornamental, subraya García Lozano.

Del 8 al 16 de noviembre, Festival de Teatro de La Habana propone, además, talleres, conferencias, exposiciones y puestas en escena para los amantes del séptimo arte.

En homenaje al centenario de la maestra y Premio Nacional de Teatro Raquel Revuelta, el evento enaltece los aportes de las figuras femeninas en todos los niveles y profesiones vinculadas al teatro.

La cita promete más de 10 funciones en 25 centros culturales, como las Salas Hubert de Blanck, El Sótano, el Museo Nacional de Bellas Artes, los centros Bertolt Brecht y Vicente Revuelta, y el Teatro Nacional de Cuba.

Contará con la participación de varios grupos internacionales, entre ellos Teatro Ensayo Gestus (Ecuador), Inmanencia Teatro (Argentina), Andrayas (Suiza) y la compañía que abrió el festival Os Satyros.

Con una escenografía impecable, la adaptación de Os Satyros fue un éxito entre el público cubano quedando así abierto el evento teatral más importante de la capital de Cuba. (ALH)

Tomado de Prensa Latina

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Bajo la dirección artística y de actores de Lucre Estévez Muñoz, la puesta en escena llega otra vez a la sede de la agrupación yumurina en Calle Río. Durante todo el mes de abril, cada sábado y domingo, los asistentes al otrora Cine Moderno de Matanzas disfrutarán de conflictos teatrales, repercusión social y diálogos sobre las tablas desde las cuatro de la tarde.

Los argumentos exponen sobre las tablas a un grupo de estudiantes de un instituto preuniversitario y las historias entrelazadas tras la escuela en el campo. A modo de catalejo visual, Autopsia del Paraíso deviene metáfora ilusoria donde una carta es el revulsivo ideal para desencadenar ira y secretos sobre acoso escolar, prostitución, bisexualidad, prejuicios y marginalidad juvenil.

En constantes idas y venidas cronológicas, la función teatral sitúa en primerísimo plano una andanada de lecturas desde la visión del espectador.

Los actores, todos noveles, miembros del Taller de Actuación Alas Teatro y del propio Icarón, colocan sobre sus cuerpos el paso de matices rudos y un lenguaje sexual explícito, sin dilapidar formas vulgares e irrisorias.

Con la dirección general de la maestra y Premio Nacional de Teatro 2025, Miriam Muñoz Benítez, el grupo de teatro Icarón apuesta por esas lecturas que no deben faltar en el teatro dramático.

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Vida es una compañía de teatro musical que celebra su quinto aniversario el próximo 20 de octubre. Desde comienzo de año ha participado en importantes eventos como la apertura de la Feria Internacional del Libro en La Habana y la exposición de artes visuales Alma Viajera, de su director Ángel Roman.

Este 21 de marzo por el Día Mundial del Teatro para la Infancia y la Juventud, que se celebra cada 20 de marzo, recibieron el reconocimiento como miembros oficiales de Assitej Cuba.

Vida desde hace tres meses realiza una alianza para los nuevos espectáculos de Teatro Papalote. Según testimonios de René Fernández, Premio Nacional de Teatro y director de Papalote: «… con la Compañía de Teatro Musical Vida hemos compartido en diversos talleres que he impartido en la especialidad de títeres en el Centro de Educación Artística Konstantin Stanislavski por tres años consecutivos. Hace unos meses comenzamos a descubrir el payaso para el montaje de un musical que cuente un poco del Payasiclown que ha desarrollado Teatro Papalote en estos 65 años…»

Según Ángel Román, «… el musical Luces de Invierno lo escribí hace algunos años y comencé a materializarlo como un ejercicio teatral en un taller de actuación que impartí en el año 2024 en el Centro de Educación Artística Konstantin Stanislavski. Una puesta que apuesta por el teatro joven y de adulto, realizado por jóvenes actores, músicos y bailarines, donde la música en vivo funciona como hilo conductor de las diversas historias que son contadas, un discurso contemporáneo propio del pensamiento juvenil del siglo XXI.»

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Presentaciones de obras y reflexiones sobre la vida y legado de Estorino con la participación de reconocidos artistas como Miriam Muñoz, Wilfredo Mesa así  como miembros de  Teatro D’ Sur,  constituyen algunas de las actividades realizadas.

René Quiroz, un ávido lector de las obras de Estorino, destacó la importancia de su literatura, mientras que Lucre Estévez, hija de la Premio Nacional de Teatro 2025, subrayó el compromiso y dedicación de Mirita en su labor teatral. Ariel Bouza, Director de Teatro Pálpito, enfatizó que no se puede hablar de teatro en Cuba sin mencionar a Estorino, quien siempre asistía a los estrenos con una humildad ejemplar.

Miriam Muñoz también hizo hincapié en el valioso trabajo que se realiza en el municipio para preservar tanto el teatro como la figura de Estorino. La Dra.C. Teresa Domínguez Allende, Directora de la Filial Universitaria, explicó la importancia de la Cátedra Honorífica Abelardo Estorino para mantener viva la historia y recordar a aquellos que han contribuido significativamente a la escena teatral. (LLOLL)

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