La puja por la estatuilla dorada cuenta con nuevas reglas en el proceso de selección de nominados y ganadores con miras a la ceremonia 99, las cuales serán aplicadas a todas las películas estrenadas entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2026.

Las condicionantes establecen que las actuaciones y los guiones deben ser obra de seres humanos para ser elegibles, indicó la agencia de noticias Reuters.

En la categoría de actuación, el documento señala que solo serán postulados los roles acreditados en el contrato legal de la película y que hayan sido «demostrablemente interpretados por humanos con su consentimiento», precisó The Hollywood Reporter.

En el caso de los guiones, las adecuaciones al reglamento establecen que solo los textos de autoría humana pueden optar por el premio a mejor guion original o adaptado, a la vez que el jurado contempla el derecho de solicitar información adicional que demuestre la paternidad humana de las postulaciones.

La actualización de las reglas incluye por primera vez en décadas que un intérprete pueda recibir dos nominaciones al Oscar en la misma categoría si sus interpretaciones están entre las cinco más votadas por diferentes películas, algo que ya era permitido con el resto de los apartados.

Para la competencia de mejor filme internacional, las nuevas normas también aparecen con cambios, ya que hasta ahora, cada país podía postular solo una película a través de su comité oficial.

A partir de este año, las películas también pueden ser nominadas si ganan el premio máximo en uno de seis festivales reconocidos: Berlín (Oso de Oro), Busan (Mejor Película), Cannes (Palma de Oro), Sundance (World Cinema Grand Jury Prize), Toronto (Platform Award) y Venecia (León de Oro).

En esta categoría, ya el Oscar no será entregado al país o región, sino al director en nombre del equipo creativo, cuyo nombre aparecerá en la placa de la estatuilla junto al título de la cinta.

En los premios de casting aumenta a tres la cantidad de estatuillas, mientras en fotografía la lista corta de nominaciones será fijada en 20 películas.

Los nuevos parámetros codifican que, en el apartado de maquillaje y peinado, el jurado deberá asistir como mínimo a una de las dos mesas redondas finales. Y en efectos visuales, todos deberán ver los reels de «antes y después» del Bake-Off, disponibles en el servicio interno Academy Screening Room.

La ceremonia de premiación de la edición 99 de los Oscar se celebrará el domingo 14 de marzo de 2027 en el Dolby Theatre de Hollywood de Los Ángeles, California.

Juventud Rebelde 

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«Yo dibujo los personajes, en mi cabeza yo los dibujo», dice, y a uno le parece lógico cuando se entera de que era pasión de niño. «Yo dibujaba, dibujaba mucho; de hecho, no he dejado de hacerlo». Pero actuar no, no era un sueño de ese niño.

«Realmente yo aspiraba a ser físico», agrega, y ya eso no es tan lógico como lo de dibujar, hasta que habla de Julio Martínez Vigo, su profesor, «ese ejemplo que uno quisiera seguir todo el tiempo», y más o menos se entiende por qué «era una decisión estudiar Física nuclear». De actuar, nada. «Yo creo que no había ningún síntoma».

Y cuando casi se sucumbe al facilismo de escribirlo como «cosa del destino», uno repasa tanta escena cumbre en que Fernando Hechavarría petrifica con el gesto, y hace que el silencio sea elocuente, y que transcurran las mismas emociones que ante un cuadro de Montoto o de Van Gogh. Entonces se alcanza a ver que el actor sí estaba en el niño de los dibujos y en el aspirante a físico. ¿Acaso no es algo «nuclear» esa pasión de hurgar y representar esencias?

DE UNA ESCUELA A LA OTRA

Fernando Hechavarría Gibert (Santiago de Cuba, 1955), el Premio Nacional de Teatro este año, no descubriría la vocación definitiva por sí mismo. Lo adjudica al «gran amigo Paneca» –otro profesor, el de Diseño, cuando se fue a Holguín a estudiar artes plásticas–, quien advirtió al actor y lo puso en ese camino. «Una vez que arranqué con las artes escénicas, ya nunca pude sacar ese bichito».

Y cuenta la historia del bichito, de cómo creció en La Habana, a la luz de leyendas del teatro; de quienes fueron, primero, sus maestros, «hasta que ese hilo se rompió, y entonces los amigos eran hermanos, y al mismo tiempo cómplices y profesores». De la familia Almirante –que fue suya–; de Kike, el hijo –que fue hermano–; de la ciudad, el ambiente teatral, los tropezones, los aprendizajes… hasta la hora del graduado, que fue la hora de Teatro Escambray.

Lo esperaban en El Cabildo de Santiago. Era, dice, «el niño mimado» de una generación de oro: Ramiro Herrera, Raúl Pomares, Meneses, Carlos Padrón; pero tuvo que confesarles el embrujo que, 15 días antes de irse a Oriente, le produjo una función de Escambray.

«Descubrí que, a pesar de haber tenido una muy sólida academia, había como otra razón, otro motivo, otra intensidad en el hacer, otra intencionalidad que yo no había visto hasta ese momento».

Entonces saltó como un resorte y se plantó frente a Sergio Corrieri:

–¿Usted me acepta en el Escambray?

–Si a ti te liberan, yo te acepto.

Fue la víspera de un servicio social de dos años que se hicieron 20, «una decisión sabia», alega, «porque lo fueron de crecimiento personal, colectivo, de un aporte a la cultura que todavía no se le ha reconocido lo debido. Creo que lo que Escambray, y Sergio en particular, dejaron como sedimento, como riqueza cultural a nuestra nación, está todavía por leerse, por descubrirse, por escribirse».

En muchos países que visitaron se estudiaba como fenómeno cultural.

«Entonces me decía: ¿cómo es posible que nuestro país no haga eso? Pero al mismo tiempo, era muy alentador pensar: “no copiamos miméticamente al primer mundo; el primer mundo está poniendo la mirada en nosotros; es decir, hay algo bien hecho”. Y eso se lo agradezco infinitamente a Escambray, mi segunda gran escuela».

 TRANSICIÓN

En imponerse desafíos se explica el paso del Escambray de Sergio a El Público de Carlos Díaz, grupos tan de vanguardia como «distantes» en su teatro. Fue una cosa, dice, muy linda y dolorosa.

Dolorosa porque salir de Escambray «me costó mucho trabajo, lo confieso; había una cosa raigal ahí que me costaba mucho romper». Lo asombró que la diferencia en las poéticas no fuera tan abismal. «Soy un actor absolutamente stanislavskiano. Me enorgullezco de eso, y me place seguirlo siendo. Lo que pasa es que eso no me impide escudriñar en otros laboratorios que –vamos a aclararlo– no son métodos. ¿Métodos?, stanislavskianos. Barba, Grotowski, Peter Brook, Brecht, esos dioses reconocen que la raíz está en Stanislavski. Es la base del edificio, algo con lo que lucho todo el tiempo.

«Usted aprende a conocerse, cuáles son sus potencialidades expresivas, de su voz. Ese sedimento es la base. Sobre eso usted crea lo que le dé la gana después. Si no, entonces estamos jugando a ser cubistas sin haber aprendido a dibujar el cuerpo humano, que es un disparate».

Revela lo rápido que lo entendió en El Público, en la manera muy particular de Carlos Díaz de dar notas y hacer conversar un lenguaje común; de, «a partir de la esencialidad del ser humano, de su sicología como personaje, hacerlo crecer».

«¿Que la forma en que eso se expresa en escena no sea –quizá, fíjate, todavía dudo– exactamente como lo hubiera hecho Escambray? Pero sí, había maneras muy interesantes, atractivas, novedosas de representar, no maniqueas. Podíamos pasar de la farsa a la tragedia o al melodrama más crudo con una organicidad tremenda. Y eso es lo que hace Carlos con El Público».

De lo colectivo en el teatro, afirma que es eso, precisamente, lo que más disfruta.

«De nada sirve que tú estés genial, si yo estoy rayando la mediocridad. El problema es que logremos un estatus óptimo. Claro, a partir de ahí, del talento, de la creatividad y de la seriedad con que se trabaje, habrá niveles. Pero si esa es la pauta, el espectáculo va a tener una dignidad».

Y vuelve una y otra vez al teatro como expresión de compromiso social, tan a la vista en su excelencia actoral y muy notable en su ética personal. El hoy demanda más de eso, dice.

«Los tiempos son diferentes. Y la gente necesita escuchar discursos viscerales, esenciales, pero acordes con los tiempos que corren. Al mensaje subliminal se puede acercar uno de muchas formas: lo que dices, cómo lo dices, en qué entorno pones eso. Creo que nos estamos yendo por la vía más fácil. No digo que esté mal, digo que no es el único camino.

«Está como bloqueando la posibilidad de que otras expresiones salgan a flote, y yo apuesto ahora mismo por esas expresiones; porque creo que, sobre todo los jóvenes, necesitan saber que lo que se dice también tiene que ver con ellos. Y no estoy hablando de razones ideológicas, sino formales, estéticas».

¿EL MISMO ACTOR?

Es el premio reciente un aval superior para el actor de teatro, pero en la ruta de Fernando Hechavarría hay cine y televisión muy buenos. ¿Irá al set de filmación como al tablado, será el mismo actor?

«Yo soy un ratón de teatro, lo reconozco, y creo que actor hay uno solo», afirma, antes de desgranar las particularidades expresivas de cada medio, las diferencias entre hablar a una cámara de televisión y a una de cine, «que es milimétrica y te entra por los ojos hasta el alma», y cómo en la instantaneidad del teatro necesitas que el espectador de la última luneta vea tu gesto.

«En el cine o la televisión el director elige qué va a ver el espectador. En el teatro no. El director pone, prioriza por luces, por presencia, por ubicación, pero el espectador escoge».

No obstante, acepta que la televisión lo puso muy rápido ante los ojos de mucha gente. Sin embargo, por «esta cosa colectiva que adoro de la actuación», por ese «todos dependemos de todos», al hablar de la telenovela Cuando el agua regresa a la tierra, empieza por referirse a Mirta González Perera, «que me enseñó que la televisión es arte»; y al detenerse en el fenómeno Tierra Brava, en vez de su memorable Nacho Capitán, escoge exaltar a Xiomara Blanco.

«Ella es la televisión», subraya, y la llama maestra, muy lúcida al escribir, sobre el texto Medialuna, «un guion espectacular, y escoger un elenco fuera de serie, y hacer algo que la gente necesitaba ver».

Y cuenta que, al aire la novela, junto a La próxima víctima, él coincidió en Brasil con José Wilker, en una entrevista: «“Ustedes son los grandes rivales en la televisión cubana”, me dijo. Da la medida de que, si puedes “luchar” contra O Globo, es porque algo está bien hecho».

APRENDO MÁS DE LO QUE ENSEÑO

Enseñar le apasiona, y lo mide con la varilla de los jóvenes. De sus mayores alegrías, la distinción Maestro de Juventudes, porque le dice que «algo de lo que estás haciendo es interesante para ellos, no te desfasaste, no te anquilosaste», y encuentra en sus estudiantes «una de las grandes riquezas que para mí tiene la docencia: aprendo más de lo que enseño».

En su arsenal ético, tan sólido y visible, destaca su sentido del respeto, del concepto «esencial y profundamente martiano» de la Patria, que vive años tan difíciles, y lo intranquiliza la pérdida acelerada de valores humanos. Cuida eso con sus alumnos, como lo hizo con sus hijas.

«Me lastimaría que, en vez de aportar, estén restándole valores a la sociedad, porque no fui capaz de enseñarles. Si logro que un solo estudiante por año entienda esto, soy feliz».

DESNUDAR EL ALMA

Una mirada simplista reduce el oficio de actuar a aparentar; sin embargo, viendo la intensidad de Fernando Hechavarría, pareciera lo contrario: un acto de franqueza. «Actuar es un acto de fe», corrige, y se ubica en una escena típica de El Público.

«El desnudo más conmovedor del actor es el del alma. Quizá porque estamos muy prejuiciados, nos cuesta quitarnos la ropa en escena. Pero desnudar el alma cada día, cada escena, cada segundo es terrible, porque pasan la vida, desde que naces, poniéndote, como una cebolla, capas y capas: “esto no se hace, esto no se dice, esto no se muestra”, y de momento tienes que quitar todo eso y poner tu alma en vilo, tus pasiones, tus virtudes, tus defectos en cada personaje, porque tú se lo prestas para poderlo hacer. Pero eres tú quien está en escena.

«Quizá también por eso conmueva tanto cuando un espectador se acerca y te dice: “Gracias”, nada más que eso. Por lo menos para mí tiene ese valor, si esa persona entendió cuánto yo tuve que saltar, cuánto tuve que sobreponerme a los miedos para desnudar el alma».

Dilbert Reyes Rodríguez/ Granma

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Quienes vivimos situaciones similares o tenemos un niño o niña con algún trastorno en el neurodesarrollo (sea TEA, TDAH, dislexia, Discapacidad Intelectual…), nos identificamos con la serie, la aplaudimos…y pedimos más… Es necesario que se conozca, que se divulgue el adelanto de nuestros expertos, de nuestros siquiatras y grupos multidisciplinarios -no solo en congresos sino también en productos de este tipo- para que nuestra sociedad comprenda que realmente la inclusión no es estar sentados en un mismo sitio uno al lado del otro; sino las maneras de ofrecer oportunidades para crecer, formar parte, reconocer las diferencias, potenciar habilidades y compensar cualquier discapacidad.

Es como dice Fidel, en el concepto guía de nuestra Revolución: ES SER TRATADOS Y TRATAR A LO DEMÁS COMO SERES HUMANOS.

La existencia de escuelas especiales para niños con discapacidades físico-motoras, intelectuales, de ¿conducta? o neurodivergentes -como el caso del joven de la serie- han sido siempre un principio de la educación en la Revolución impulsada por Fidel, para que no quedase ninguno fuera de las oportunidades de aprender y desarrollar todas sus potencialidades; para que todos recibieran la atención especializada y esmerada, con maestros preparados para comprender y amar.

Es un hecho, en nuestro país, la situación económica que golpea a este sector furibundamente, el éxodo de personal a otros sectores, pero también hay lo más hermoso: los que deciden quedarse a seguir apostando por el futuro, porque como asegurara Luz y Caballero: tengamos la educación y tendremos patria.

A pesar de todas las dificultades, en esas escuelas se intenta, se avanza y se crece. Nos enseñan a los padres de los niños neurodivergentes, a entender que el logro no es solo la meta, sino cada paso; y que cada paso, por pequeño que parezca, es un logro que hay que celebrar y motivar para conseguir otros mayores.

Aprendemos que hay formas de ver el mundo que son únicas, ya sean azules, anaranjadas, de arcoíris; formas puras de amar y reaccionar, donde no existen los miedos ni las limitaciones, sino la sensibilidad de captar con más intensidad el mundo, y lo ven tan hermoso y llamativo, que no pueden estar quietos en una silla por más de 10 minutos; o estar tranquilos en un sitio hasta comprender mejor toda la información que reciben y que los “neurotípicos” no ven porque ya viven en este mundo de reglas a cumplir.

¿Y qué es ser neurodivergente, neurotípico? ¿Uno es mejor que otro? No, compañeros: son clasificaciones para maneras diferentes del cerebro de percibir el mundo, de entenderlo y de reaccionar ante él. Que la norma social implique el ajuste de conductas y comportamientos para la inclusión, no significa que hay que curar o cambiar un cerebro “con problemas”. Son simplemente necesarios para adaptarse a vivir en una sociedad con un orden que nos antecede a todos, pero que también cambia y aprende.

Ser neurotípico no es sinónimo de ser perfecto; como tampoco ser neurodivergente implica ser inferior.

Podrían ser muchas las valoraciones.

La inclusión de niños neurodivergentes en una escuela de enseñanza regular es un derecho que ampara nuestra Revolución, avala e impulsa nuestro sistema educativo, el Objetivo número 4 de la Agenda 2030, y toda la intención y esfuerzo de quienes comprenden esta realidad.

Sin embargo, es un reto por cuanto el personal docente no está preparado en su mayoría ni completo para recibir a esos pequeños que vienen ansiosos por mostrar su mundo y compartirlo con otros. En ese sentido, hay quienes le ponen todo, y hay quienes no.¿Debemos renunciar a incluirlos por ello? No sería justo no hacerlo. Ni coherente.

Deberá ser la capacitación y la autopreparación la que complemente este proceso de alianza hogar- escuela- Centro de Diagnóstico y Orientación (CDO)-maestros de apoyo- especialistas de salud. Si no hay alineación de estos factores; si la mirada desde la institución educativa sigue inmersa en planes difíciles de adaptar a estos pequeños; si el CDO y las instituciones de salud no trazan una pauta común para su adelanto en conocimientos y acción, el niño podrá sentarse en una silla de un aula regular, pero no habrá inclusión. La voluntad política y humana tiene que llegar a la base, y a los hechos.

Y la inclusión es un derecho. Como casi todos los derechos: este hay que pelearlo, pero sobre la base del amor, la comprensión y el bienestar de los niños.

Quien escribe no es siquiatra, pero gracias a las buenísimas que conozco y a mi hijo, he aprendido algo de estos temas y, sobre todo, he aprendido a aprender; quien escribe no es maestra, pero las conozco inmensas…. y también diminutas.  Quien escribe es mamá. Mi tiempo no es el de una consulta, ni 8 horas en un aula: mi tiempo es la vida entera…y mi evaluación es la del alma.  

Soy testigo de pasión, y ello me obliga a escribir, a tomar partido, para iniciar el relato de una realidad poco conocida en nuestros medios, aunque en ello vaya semidesnudar historias que arden en mi propia carne. Por eso prefiero a Pablo de la Torriente cuando decía que sin pasión no hay verdad.

Escribo para descubrir aristas nuevas de la vida de estos pequeños, de cómo llegan a una escuela especial; cómo salen y son felices en otra, o no lo son, pero para ayudar a que lo sean… Escribo en nombre de los que agradecemos Las reglas de Rodo, y esperamos que desde el periodismo, la educación, y el corazón de nuestro pueblo, esas reglas se cumplan siempre en nombre del amor para todos nuestros niños.

Daily Sánchez Lemus/Cubadebate

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La crítica e investigadora Vivian Martínez Tabares, la investigadora teatral y docente Yamina Gispert, la realizadora audiovisual Lourdes de los Santos, el dramaturgo Roberto Viña, el dramaturgo Yerandy Fleites y el actor y director escénico Yanier Palmero integraron el jurado.

Ary Fonseca recibió el premio en la categoría de Actuación femenina en televisión, por su interpretación de Roxana en la recién finalizada telenovela Renacer y su participación en el telefilme La flor del marabú. La actriz, destacó en ambos trabajos, por el dominio de los gestos, la voz, la dicción y una concentración admirable ante la cámara.

El premio de Actuación masculina para televisión fue compartido entre Alejandro Guerrero, por su participación en la telenovela Renacer y el telefilme Árbol Negro, y Enmanuel Castillo por su personaje de Abdel en la tercera temporada de la popular serie juvenil Calendario.

Roberto Romero recibió el Premio especial de Artes escénicas, por su labor en teatro y televisión durante el pasado año y sus interpretaciones de Yarini, para la puesta en escena de Teatro El Público, y Ramsés en la telenovela Renacer.(LLOLL)

Por: Leysi Álvarez Fernández, estudiante de Periodismo
(Con información de Cubadebate)

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Un nuevo taller para niños entre seis y doce años de edad interesados en las artes escénicas es la propuesta más reciente del colectivo que lidera la maestra Miriam Muñoz Benítez.

Esta idea se recupera luego de la pandemia de la Covid 19 y une a los aplaudidos y exitosos talleres para adolecentes y jóvenes que dirige la actriz y profesora Lucre Estévez Muñoz, con varias promociones a la Escuela Nacional y el Instituto Superior de Arte.

Así, el Grupo de Teatro Icarón refuerza la idea del desarrollo de las más noveles figuras de la escena.

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En esta ocasión, el también director de la Escuela Nacional de Ballet “Fernando Alonso” interpretará el pas de deux del segundo acto de “Giselle” y el El Cisne Negro, de “El lago de los cisnes”, junto a la bailarina cubana Claudia García, solista del Ballet de la Ópera de Budapest.

La gala “Les Étoiles” reúne a algunos de los nombres más conocidos del ballet internacional, estrellas de los principales teatros del mundo, la excelencia absoluta del escenario mundial, como bien expresa su convocatoria.

Entre los nombres anunciados para esta ocasión se encuentran Roman Mejía y Tiler Peck, primeras figuras del Ballet de la Ciudad de Nueva York; el ruso Danill Simkin; el español Sergio Bernal; Maia Makhateli, primera bailarina del Ballet Nacional Holandés; y Bakhtiyar Adamzham, solista principal del Teatro Estatal de Ópera y Ballet de Astaná, entre otras personalidades de la danza.

Tomado de Portal Cuba

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De acuerdo con la fuente, Baldwin era el actor principal y coproductor del filme y estaba apuntando con una pistola a la directora de fotografía Halyna Hutchins durante un ensayo en el set de rodaje cuando el arma se disparó, matándola e hiriendo al director Joel Souza.

El actor ha afirmado que tiró hacia atrás del martillo de la pistola, pero no del gatillo, incidente que ha dado lugar a una serie de demandas civiles, incluidas las de homicidio culposo, presentadas por familiares de Hutchins, centradas en acusaciones de que los demandados fueron poco estrictos con las normas de seguridad. Baldwin y otros acusados han rechazado las acusaciones.

“Esperamos con ansias nuestro día en la corte”, dijeron Luke Nikas y Alex Spiro, abogados defensores de Baldwin, en un correo electrónico, en el cual también alegaron que pelearán contra los cargos.

Dos de los testigos vistos en el tribunal incluyeron miembros del equipo, uno presente cuando se disparó el disparo fatal y otro que se había retirado del set el día anterior debido a preocupaciones de seguridad.

Los jueces acordaron recientemente dejar en suspenso varias demandas civiles que pedían indemnizaciones de Baldwin y los productores de Rust, luego de que los fiscales dijeran que presentarían cargos ante un gran jurado, que hicieron esta semana, meses después de recibir un nuevo análisis del arma utilizada.

En abril del año pasado, los fiscales especiales desestimaron la acusación de homicidio involuntario contra Baldwin argumentando que habían sido informados de que el arma podría haber sido modificada antes del rodaje y haber funcionado mal. No obstante, posteriormente cambiaron de opinión y empezaron a sopesar la posibilidad de volver a presentar cargos contra el actor tras recibir un nuevo análisis del arma, que concluyó que el gatillo tuvo que haber sido apretado. (ALH)

Tomado de Cubadebate

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Desde la sede del grupo, en la matancera calle Río, los imberbes funden cuerpo y capacidad teatral encima del escenario a partir de la disciplina y el rigor técnico como premisas fundamentales.

«Desde que tenía apenas cuatro años comencé en los talleres para niños de la profesora Miriam Muñoz, y empecé a vincularme con este mundo de la actuación. En un inicio era un poco penosa, pero estos espacios han ayudado mucho. Ejercicios de ritmo, coordinación y acrobacia permiten que integremos la actuación como un todo», señaló Yunilexis Moro Martínez, estudiante de 17 años de edad.

«Llevo casi seis años estudiando danza. Vine a las pruebas sin nada de preparación, pues me llamaba la atención el teatro. Tanto averigüé que di con la profe Lucre y comencé en los talleres», apuntó Kevin Rodríguez Hernández, futuro actor de 14 años.

El Taller fue creado en la última década del siglo pasado por la primera actriz y maestra Miriam Muñoz Benítez. Asimismo, constituye parte indisoluble de la formación profesional en Teatro Icarón. Hace casi veinte años, su hija y también actriz Lucre Estévez tomó las riendas del proyecto.

«El objetivo es que ellos traten de sentirse y que se encuentren profundamente en su interior. La idea es que descubran quiénes son, de dónde vienen y hacia dónde se dirigen. El teatro es un medio muy difícil, de mucho esfuerzo y sacrificio, donde yo exijo en demasía, pues lleva bastante entrega», dijo Lucre en un breve impasse en medio de la clase.

Enfocado en la superación de los jóvenes actores y su ingreso a academias de alto renombre en Cuba, el Taller ha promovido a cerca de una decena de ellos en los últimos cinco años hacia la Escuela Nacional y el Instituto Superior de Arte.

Improvisación, creatividad, ritmo, disposición escénica y fuerte trabajo corporal se conjugan en las rutinas de los más noveles actores, cuando sobre las tablas levita la fuerza renovada de Teatro Icarón. (ALH)

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