«Yo dibujo los personajes, en mi cabeza yo los dibujo», dice, y a uno le parece lógico cuando se entera de que era pasión de niño. «Yo dibujaba, dibujaba mucho; de hecho, no he dejado de hacerlo». Pero actuar no, no era un sueño de ese niño.

«Realmente yo aspiraba a ser físico», agrega, y ya eso no es tan lógico como lo de dibujar, hasta que habla de Julio Martínez Vigo, su profesor, «ese ejemplo que uno quisiera seguir todo el tiempo», y más o menos se entiende por qué «era una decisión estudiar Física nuclear». De actuar, nada. «Yo creo que no había ningún síntoma».

Y cuando casi se sucumbe al facilismo de escribirlo como «cosa del destino», uno repasa tanta escena cumbre en que Fernando Hechavarría petrifica con el gesto, y hace que el silencio sea elocuente, y que transcurran las mismas emociones que ante un cuadro de Montoto o de Van Gogh. Entonces se alcanza a ver que el actor sí estaba en el niño de los dibujos y en el aspirante a físico. ¿Acaso no es algo «nuclear» esa pasión de hurgar y representar esencias?

DE UNA ESCUELA A LA OTRA

Fernando Hechavarría Gibert (Santiago de Cuba, 1955), el Premio Nacional de Teatro este año, no descubriría la vocación definitiva por sí mismo. Lo adjudica al «gran amigo Paneca» –otro profesor, el de Diseño, cuando se fue a Holguín a estudiar artes plásticas–, quien advirtió al actor y lo puso en ese camino. «Una vez que arranqué con las artes escénicas, ya nunca pude sacar ese bichito».

Y cuenta la historia del bichito, de cómo creció en La Habana, a la luz de leyendas del teatro; de quienes fueron, primero, sus maestros, «hasta que ese hilo se rompió, y entonces los amigos eran hermanos, y al mismo tiempo cómplices y profesores». De la familia Almirante –que fue suya–; de Kike, el hijo –que fue hermano–; de la ciudad, el ambiente teatral, los tropezones, los aprendizajes… hasta la hora del graduado, que fue la hora de Teatro Escambray.

Lo esperaban en El Cabildo de Santiago. Era, dice, «el niño mimado» de una generación de oro: Ramiro Herrera, Raúl Pomares, Meneses, Carlos Padrón; pero tuvo que confesarles el embrujo que, 15 días antes de irse a Oriente, le produjo una función de Escambray.

«Descubrí que, a pesar de haber tenido una muy sólida academia, había como otra razón, otro motivo, otra intensidad en el hacer, otra intencionalidad que yo no había visto hasta ese momento».

Entonces saltó como un resorte y se plantó frente a Sergio Corrieri:

–¿Usted me acepta en el Escambray?

–Si a ti te liberan, yo te acepto.

Fue la víspera de un servicio social de dos años que se hicieron 20, «una decisión sabia», alega, «porque lo fueron de crecimiento personal, colectivo, de un aporte a la cultura que todavía no se le ha reconocido lo debido. Creo que lo que Escambray, y Sergio en particular, dejaron como sedimento, como riqueza cultural a nuestra nación, está todavía por leerse, por descubrirse, por escribirse».

En muchos países que visitaron se estudiaba como fenómeno cultural.

«Entonces me decía: ¿cómo es posible que nuestro país no haga eso? Pero al mismo tiempo, era muy alentador pensar: “no copiamos miméticamente al primer mundo; el primer mundo está poniendo la mirada en nosotros; es decir, hay algo bien hecho”. Y eso se lo agradezco infinitamente a Escambray, mi segunda gran escuela».

 TRANSICIÓN

En imponerse desafíos se explica el paso del Escambray de Sergio a El Público de Carlos Díaz, grupos tan de vanguardia como «distantes» en su teatro. Fue una cosa, dice, muy linda y dolorosa.

Dolorosa porque salir de Escambray «me costó mucho trabajo, lo confieso; había una cosa raigal ahí que me costaba mucho romper». Lo asombró que la diferencia en las poéticas no fuera tan abismal. «Soy un actor absolutamente stanislavskiano. Me enorgullezco de eso, y me place seguirlo siendo. Lo que pasa es que eso no me impide escudriñar en otros laboratorios que –vamos a aclararlo– no son métodos. ¿Métodos?, stanislavskianos. Barba, Grotowski, Peter Brook, Brecht, esos dioses reconocen que la raíz está en Stanislavski. Es la base del edificio, algo con lo que lucho todo el tiempo.

«Usted aprende a conocerse, cuáles son sus potencialidades expresivas, de su voz. Ese sedimento es la base. Sobre eso usted crea lo que le dé la gana después. Si no, entonces estamos jugando a ser cubistas sin haber aprendido a dibujar el cuerpo humano, que es un disparate».

Revela lo rápido que lo entendió en El Público, en la manera muy particular de Carlos Díaz de dar notas y hacer conversar un lenguaje común; de, «a partir de la esencialidad del ser humano, de su sicología como personaje, hacerlo crecer».

«¿Que la forma en que eso se expresa en escena no sea –quizá, fíjate, todavía dudo– exactamente como lo hubiera hecho Escambray? Pero sí, había maneras muy interesantes, atractivas, novedosas de representar, no maniqueas. Podíamos pasar de la farsa a la tragedia o al melodrama más crudo con una organicidad tremenda. Y eso es lo que hace Carlos con El Público».

De lo colectivo en el teatro, afirma que es eso, precisamente, lo que más disfruta.

«De nada sirve que tú estés genial, si yo estoy rayando la mediocridad. El problema es que logremos un estatus óptimo. Claro, a partir de ahí, del talento, de la creatividad y de la seriedad con que se trabaje, habrá niveles. Pero si esa es la pauta, el espectáculo va a tener una dignidad».

Y vuelve una y otra vez al teatro como expresión de compromiso social, tan a la vista en su excelencia actoral y muy notable en su ética personal. El hoy demanda más de eso, dice.

«Los tiempos son diferentes. Y la gente necesita escuchar discursos viscerales, esenciales, pero acordes con los tiempos que corren. Al mensaje subliminal se puede acercar uno de muchas formas: lo que dices, cómo lo dices, en qué entorno pones eso. Creo que nos estamos yendo por la vía más fácil. No digo que esté mal, digo que no es el único camino.

«Está como bloqueando la posibilidad de que otras expresiones salgan a flote, y yo apuesto ahora mismo por esas expresiones; porque creo que, sobre todo los jóvenes, necesitan saber que lo que se dice también tiene que ver con ellos. Y no estoy hablando de razones ideológicas, sino formales, estéticas».

¿EL MISMO ACTOR?

Es el premio reciente un aval superior para el actor de teatro, pero en la ruta de Fernando Hechavarría hay cine y televisión muy buenos. ¿Irá al set de filmación como al tablado, será el mismo actor?

«Yo soy un ratón de teatro, lo reconozco, y creo que actor hay uno solo», afirma, antes de desgranar las particularidades expresivas de cada medio, las diferencias entre hablar a una cámara de televisión y a una de cine, «que es milimétrica y te entra por los ojos hasta el alma», y cómo en la instantaneidad del teatro necesitas que el espectador de la última luneta vea tu gesto.

«En el cine o la televisión el director elige qué va a ver el espectador. En el teatro no. El director pone, prioriza por luces, por presencia, por ubicación, pero el espectador escoge».

No obstante, acepta que la televisión lo puso muy rápido ante los ojos de mucha gente. Sin embargo, por «esta cosa colectiva que adoro de la actuación», por ese «todos dependemos de todos», al hablar de la telenovela Cuando el agua regresa a la tierra, empieza por referirse a Mirta González Perera, «que me enseñó que la televisión es arte»; y al detenerse en el fenómeno Tierra Brava, en vez de su memorable Nacho Capitán, escoge exaltar a Xiomara Blanco.

«Ella es la televisión», subraya, y la llama maestra, muy lúcida al escribir, sobre el texto Medialuna, «un guion espectacular, y escoger un elenco fuera de serie, y hacer algo que la gente necesitaba ver».

Y cuenta que, al aire la novela, junto a La próxima víctima, él coincidió en Brasil con José Wilker, en una entrevista: «“Ustedes son los grandes rivales en la televisión cubana”, me dijo. Da la medida de que, si puedes “luchar” contra O Globo, es porque algo está bien hecho».

APRENDO MÁS DE LO QUE ENSEÑO

Enseñar le apasiona, y lo mide con la varilla de los jóvenes. De sus mayores alegrías, la distinción Maestro de Juventudes, porque le dice que «algo de lo que estás haciendo es interesante para ellos, no te desfasaste, no te anquilosaste», y encuentra en sus estudiantes «una de las grandes riquezas que para mí tiene la docencia: aprendo más de lo que enseño».

En su arsenal ético, tan sólido y visible, destaca su sentido del respeto, del concepto «esencial y profundamente martiano» de la Patria, que vive años tan difíciles, y lo intranquiliza la pérdida acelerada de valores humanos. Cuida eso con sus alumnos, como lo hizo con sus hijas.

«Me lastimaría que, en vez de aportar, estén restándole valores a la sociedad, porque no fui capaz de enseñarles. Si logro que un solo estudiante por año entienda esto, soy feliz».

DESNUDAR EL ALMA

Una mirada simplista reduce el oficio de actuar a aparentar; sin embargo, viendo la intensidad de Fernando Hechavarría, pareciera lo contrario: un acto de franqueza. «Actuar es un acto de fe», corrige, y se ubica en una escena típica de El Público.

«El desnudo más conmovedor del actor es el del alma. Quizá porque estamos muy prejuiciados, nos cuesta quitarnos la ropa en escena. Pero desnudar el alma cada día, cada escena, cada segundo es terrible, porque pasan la vida, desde que naces, poniéndote, como una cebolla, capas y capas: “esto no se hace, esto no se dice, esto no se muestra”, y de momento tienes que quitar todo eso y poner tu alma en vilo, tus pasiones, tus virtudes, tus defectos en cada personaje, porque tú se lo prestas para poderlo hacer. Pero eres tú quien está en escena.

«Quizá también por eso conmueva tanto cuando un espectador se acerca y te dice: “Gracias”, nada más que eso. Por lo menos para mí tiene ese valor, si esa persona entendió cuánto yo tuve que saltar, cuánto tuve que sobreponerme a los miedos para desnudar el alma».

Dilbert Reyes Rodríguez/ Granma

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Licenciado en Pedagogía, fue miembro fundador del emblemático grupo La Seña del Humor, de Matanzas, que revolucionó la escena cubana entre los años 80 y 90. Es Profesor Titular y miembro de la UNEAC. Ha participado en programas televisivos y espectáculos teatrales, dentro y fuera de Cuba, así como exposiciones de artes plásticas como creador, curador y crítico.

La entrega del Premio Nacional del Humor 2024 tendrá lugar el próximo martes primero de abril, a las 4:00 de la tarde, en la Sala de Conciertos José White, de Matanzas.

Lo han merecido con anterioridad artistas como Alberto Luberta, Luis Carbonell, Osvaldo Doimeadiós y Mario Aguirre, además de los matanceros Juan Padrón, Aurora Basnuevo y Manuel Hernández.

(Jessica Mesa Duarte /Radio 26)

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Kris Kristofferson, la leyenda de la música country y ganador del Globo de Oro como mejor actor, ha muerto a los 88 años en su casa en Hawái, según ha informado este domingo la portavoz de la familia, Ebie McFarland.

Su influencia en la música estadounidense le valió para ser nombrado como “uno de los mejores compositores de todos los tiempos” por la revista Rolling Stone. El cantante “cambió el lenguaje de la música country” al tratar temas socialmente progresistas, según destacó McFarland.

Nacido el 22 de junio de 1936, sus orígenes musicales se remontan a cuando empezó a trabajar en el mantenimiento de Columbia Records, el estudio en el que grababan artistas como Johnny Cash o Bob Dylan, a los cuales admiraba. En 1985, integraría el supergrupo The  Highwaymen  junto a Waylon Jennings, Willie Nelson y Johnny Cash, reuniendo así a los mejores cantantes de la música country del momento.

Sin embargo, antes de subirse a los escenarios, tuvo que abandonar una prometedora carrera militar en Alemania en los años 60, la cual seguía por tradición familiar. También estudió literatura en la Universidad de Oxford, lo que seguro favoreció sus composiciones años después.

También dedicó parte de su vida a Hollywood, participando en más de 70 películas y en la saga Blade. Con la película de 1976, Ha nacido una estrella, en la que trabajó con Barbra Streisand, fue galardonado con un Globo de Oro como mejor actor.

Kristofferson ha dejado una profunda huella en la música desde que saltó a la fama a finales de la década de los 60. Entre su repertorio, destacan temas como Sunday Mornin´ Comin´Down, Help Me Make It Through the Night, For The Good Times y Me and Bobby McGee. (ALH)

Tomado de Cubadebate

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“Personalmente, creo que fue uno de los actores más importantes de la historia del cine (…) Nunca se dejó intimidar por un papel, bueno, malo o feo. Amaba lo que hacía e hizo lo que amaba, y uno nunca puede pedir más que eso”, subrayó su hijo, Kiefer Sutherland, quien confirmó el deceso.

La familia aún no ha informado sobre las causas de su muerte.

El intérprete, con una sonrisa que podía ser dulce o diabólica, era conocido por sus personajes poco convencionales, como Hawkeye Pierce en MASH, el comandante de tanque hippie en Kelly’s Heroes y el profesor drogado en Animal House.

Antes de pasar a una larga carrera como actor de personajes respetado, Sutherland personificó el cine impredecible y antisistema de la década de 1970.

“Me encanta trabajar con pasión”, un artista que laboró hasta sus últimos días

A lo largo de las décadas, Sutherland mostró su talento en papeles más formales, pero aún excéntricos, en Ordinary People, del director Robert Redford, y JFK, de Oliver Stone.

Más recientemente, protagonizó las películas de The Hunger Games. Nunca se jubiló y trabajó con regularidad hasta su muerte. El próximo noviembre se publicará una autobiografía, Made Up, But Still True.

“Me encanta trabajar. Me encanta trabajar con pasión (…) Me encanta sentir que mi mano encaja en el guante de algún otro personaje. Siento una enorme libertad: el tiempo se detiene para mí. No estoy tan loco como antes, pero todavía estoy un poco loco”, le dijo Sutherland a Charlie Rose en 1998.

Nacido en St. John, New Brunswick, Donald McNichol Sutherland era hijo de un vendedor y una profesora de matemáticas. Criado en Nueva Escocia, a los 14 años era disc jockey y tenía su propia emisora ​​de radio.

“Cuando tenía 13 o 14 años, pensaba que todo lo que sentía era malo y peligroso, y que Dios me iba a matar por ello”, señaló Sutherland a The New York Times en 1981.

“Mi padre siempre decía: ‘Cállate la boca, Donnie, y quizá la gente piense que tienes carácter’”.

Sutherland empezó como estudiante de ingeniería en la Universidad de Toronto, pero se pasó al inglés y empezó a actuar en producciones teatrales escolares. Mientras estudiaba en Toronto, conoció a Lois Hardwick, una aspirante a actriz. Se casaron en 1959, pero se divorciaron siete años después.

Luego de graduarse en 1956, Sutherland asistió a la Academia de Música y Artes Dramáticas de Londres para estudiar interpretación. Sutherland empezó a aparecer en obras del West End y en la televisión británica. Después de mudarse a Los Ángeles, siguió dando tumbos hasta que una serie de películas de guerra cambiaron su trayectoria.

Su primera película estadounidense fue The Dirty Dozen, de 1967, en la que interpretó a Vernon Pinkley, el psicópata que se hacía pasar por un oficial.

En 1970, se estrenaron la historia sobre la Segunda Guerra Mundial Kelly’s Heroes y MASH, un éxito aclamado que catapultó a Sutherland al estrellato.

“Los papeles de personajes son más desafiantes”, afirmó el artista a The Washington Post en 1970. “Hay longevidad. Un buen actor de personajes puede mostrar una cara diferente en cada película y no aburrir al público”, resaltó.

En la última década, Sutherland trabajó cada vez más en televisión, sobre todo en Path to War de HBO, en la que interpretó al secretario de Defensa del presidente Lyndon Johnson, Clark Clifford.(LLOLL)

(Tomado de AP)

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El monólogo Por si anochece, de Teatro Icarón, bajo la dirección de la prestigiosa actriz Miriam Muñoz y escrito por  Pablo Omar Milián, resalta con un lenguaje claro los principios de la enfermedad, la historia del primer caso de VIH-Sida en la provincia y su fallecimiento.

La obra transcurre en un contexto totalmente desligado de la actualidad, en un momento difícil para los pacientes de SIDA que eran sometidos a diversos medicamentos. Su sistema inmunológico se deterioraba poco a poco y fallecían en un corto período de tiempo.

La puesta ,con más de veinte minutos de duración, constituye una mirada novedosa de algo antiguo. La información a las personas sobre lo peligroso del VIH y las infecciones de transmisión sexual resulta decisiva para hacerles entender que  muchos matanceros conviven con el padecimiento y pueden tener una vida placentera.

El tallerista de Icarón, Cristian García Rolo, se desdobla en el escenario tras la interpretación del unipersonal. Los rasgos de su rostro al actuar, los objetos utilizados y el contraste de luces hicieron de la puesta una obra que los espectadores disfrutaron a plenitud.

“Un paciente de SIDA puede vivir una vida normal sin contagiar a nadie y hasta poder tener una familia. La cosa está en concientizar a las personas y esta obra es muy fuerte, porque carga muchas emociones», resalta el novel actor.

Durante la obra el actor-paciente transita por muchos estados:  el no querer medicarse, el dolor y el deterioro de su personalidad frente a un espejo, viéndose a sí mismo.

“El personaje es muy duro y lleva mucha carga emotiva. Casi siempre lloro cuando termino de hacer la obra y fue una experiencia que le agradezco mucho a Miriam y a Omar, el escritor», enfatizó Cristian.

Este último dirige en Matanzas a toda la cadena de personas portadoras de la enfermedad. Para la comunidad significa alguien especial, que apoya, conoce del tema y contribuye desde la provincia a promover la lucha contra estas enfermedades.

Con banda sonora de Freddie Mercury, la puesta recuerda al prestigioso cantante, quien fuera en el mundo ejemplo del padecimiento. El tratamiento de Mercury también ocurrió en los inicios de la enfermedad: los medicamentos afectaban sus cuerdas vocales y decidió entregar sus últimos años a la música. Prefirió morir antes de detener su carrera artística.

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Lee, de 48 años, fue hallado inconsciente dentro de un automóvil, en un parque en el centro de Seúl. La Policía comunicó que Lee abandonó su hogar después de escribir lo que supuestamente era una nota de suicidio.

El actor se enfrentaba a una investigación sobre el presunto consumo de drogas ilegales y había sido sometido a tres rondas de interrogatorio policial. El mes pasado, el Servicio Nacional Forense le realizó una prueba exhaustiva de drogas con resultados negativos. Una prueba rápida para detectar estupefacientes efectuada durante las recientes investigaciones policiales también dio negativa.

‘Parásitos’ es una película de suspenso y comedia negra surcoreana del 2019 que ganó cuatro premios Oscar. Se convirtió en la primera película de habla no inglesa en ganar el premio a mejor película y en la primera cinta surcoreana en lograr la estatuilla.

Tomado de Actualidad RT

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Luego de “cuatro rondas exhaustivas de casting”, Alberto Luberta y Ernesto Fiallo apuestan por Yass para interpretar a Yasmany. “Lo que más me atrajo del personaje fue su humanidad y la manera en la que evoluciona pese a las vicisitudes. Se mantiene fiel, enamorado y siendo consecuente con lo que él profesa como humano y persona real”.

Si tuviera que definir a Yasmany, el actor—sin ser absoluto—defiende la tesis de que cada rol tiene matices y colores, no obstante, dice que para él Yasmany es una posibilidad de educar y trasmitir al televidente esos rasgos que lo hacen humano, equivocarse, aprender y seguir.

“Interpetarlo me aporta la posibilidad de revivir la etapa de cuando era estudiante en el Instituto Superior de Arte (actualmente Universidad de las Artes), pero desde un punto de vista diferente. Soy papá, han pasado más de siete años desde que me gradué, pero son los mismos problemas: la necesidad de una vivienda, pagar un alquiler, no tener los implementos para trabajar y poder expresarme mediante el arte. La vida constantemente me iba poniendo trabas para buscar soluciones”.

—Ahora que ve el producto terminado, ¿hubiera hecho algo diferente?

—Generalmente cuando se termina un proyecto siempre uno se queda con deseos de haber mejorado o cambiado determinadas cosas. A veces no puedo ver lo que hago en televisión porque en esos horarios estoy trabajando. Pero, creo que le hubiera dedicado más tiempo a estudiar el fenómeno de la radio, aunque en el guion de la novela estaba bien planteado lo que se quería. Luberta y Fiallo son dos directores que saben lo que quieren, hablan claro y ensayan mucho para que el resultado sea óptimo.

—¿Cómo fue el trabajo con estos directores?

—Es como como trabajar con un niño grande. Luberta siempre se está riendo, bromeando. Es muy inteligente, sabe lo que quiere y te explica las cosas al duro y sin guantes. Él te dice ‘esto es lo que quiero’, y no hay rodeos. ‘Vamos a salir a buscar aquello’.

“Por otro lado, Fiallo es serio, pero te dice las cosas de una manera más sutil, y si eres inteligente la captas, y si no, hay que volver a repetir. Me divertía muchísimo con él porque es un tipo muy irónico; la gente inteligente generalmente es así.

“Fiallo y Luberta son dos caras de una moneda, con diferentes caracteres, pero tienen en común el deseo de hacer y el talento. Son los dos directores con los que siempre quise trabajar en una telenovela, y tener la oportunidad de que me dirigieran juntos, fue un bombazo”.

—¿Y con el resto de los actores?

—Asumimos el reto de hacer una telenovela en homenaje a la radio. Primó en el trabajo el intercambio, la retroalimentación, tanto entre los jóvenes como otros que son cátedras de la actuación en Cuba. El derecho de soñar marcó una pauta en la amistad con varias artistas, figuras de la radio y actores con reconocimiento nacional e internacional.

—¿Qué significa la radio en la carrera de Yass Beltrán?

—En la Escuela Nacional de Arte damos una asignatura que propiamente tiene que con la radio en donde te enseñan técnicas para trabajar en este medio. Los actores cubanos no tenemos una formación radial porque muchas personas la subvaloran. Creo que todos los del gremio debiéramos pasar por la radio, porque es un vehículo para expresar los sentimientos de un personaje o una intención solo con la voz. Eso es muy difícil.

“La radio para mí es una asignatura pendiente. Tengo que dedicarle tiempo, adentrarme, porque es un lenguaje diferente. Hay que aprender a respetarla”.

—¿Cuál crees que sean las características que permitirán que el público conecte con El derecho de soñar?

—La novela no se llama así por gusto. Muchas personas han juzgado la novela precipitadamente y han emitido críticas porque toca temas sensibles. Creo que cuando interioricen de qué va y cuál es la verdadera trama de los personajes y de la novela —independientemente de que el discurso sea homenajear a la radio— El derecho de soñar va a marcar un antes y un después en la perspectiva del público cubano.

Sobre el personaje de Michel en Tras la huella, Yass Beltrán refiere que tener un rol fijo le da la posibilidad de desdoblarse y hacer algo diferente. “Los términos técnicos y la dinámica policial de la serie condiciona un comportamiento. Eso a veces te limita”.

En lo personal, el policíaco lo ha ayudado a darle mayor visibilidad y a ganarse el respeto de un público que sigue con asiduidad ese espacio, con antecesores que dejaron la vara alta, como Su propia guerra o Día y Noche.

A la hora de construir un personaje, primeramente, Yass escucha lo que quiere el director, el guionista o el dramaturgo. “Trato de pensar que haría en esa situación, y a partir de ahí comienzo a crear. Si el director está de acuerdo, continuó esa línea”.

El actor dice que su carrera está en una etapa peligrosa. “Si no concientizo que, aunque estoy en un buen momento, tengo que seguir hacia adelante, puedo quedarme donde estoy y no es el objetivo. Mi carrera está en una etapa soñada, mi esfuerzo convertido en fruto. Estoy viendo el resultado de mi trabajo, de mi empeño, de mi estudio, del día a día porque no ha sido un proceso corto. Eso lo veo cada vez que una persona me escribe algo bonito en las redes sociales, o me dan un criterio de lo que piensan, que no necesariamente tiene que ser positivo”.

De sus 32 años, Yass Beltrán le ha dedicado 18 a la actuación. “Tengo que seguir peleando para que la gente siga deseando ver a Beltrán en pantalla”, agrega, y eso es una tarea bien dura.

“No creo en las casualidades y si Dios quiso que llegara y pasara por tantos procesos difíciles y complicados, significa que había algo al final del túnel, una recompensa. Dije ‘es por aquí y aunque sea largo y fuerte el camino, voy a luchar por eso’”. (ALH)

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